Na seqüência, "Things Have Changed" fez jus ao título com um arranjo totalmente modificado (ainda mais gritantemente diferente do que as músicas que a antecederam no setlist), transformado-a em um country de, infelizmente, gosto duvidoso. Aos 70 anos Bob Dylan abusa do direito de fazer o que bem entende, alterando as canções sem dar a mínima para a opinião de quem quer que seja. Nada diferente da postura que pautou sua carreira de já data de meio século.

           O repertório foi baseado em clássicos indispensáveis que permeiam sua discografia, sendo o conceituadíssimo “Highway 61 Revisited” o grande privilegiado, com quatro canções: "Desolation Row" e “Ballad of a Thin Man”, além da faixa-título. Estas canções agradaram o público heterogêneo que compareceu ao Pepsi on Stage, mas foi apenas em "Like a Rolling Stone", quando o show já se encaminhava para o final, que a platéia gaúcha demonstrou sua força. O brado "How does it feel / "How does it feel" ecoou fortemente e fez o Pepsi On Stage explodir com um dos refrões mais clássicos do Rock and Roll. Em seguida, a saideira "All Along the Watchover", também com arranjo modificado, foi a despedida com pouco menos de 90 minutos de show.

           Para o bis, pedido incessantemente, Dylan retorna para seu maior clássico, "Blowin' in the Wind". Esta, não apenas alterada, mas difícil de reconhecer, não fosse por sua poesia gravada no inconsciente coletivo. Com uma hora e meia, Dylan se despede dos gaúchos.

           Bob Dylan, com seu clássico mau humor que, de uma forma estranha, lhe atribui carisma e gera identificação com seu público, fez um show básico, que emocionou seus fãs mais pela idolatria e pelo reconhecimento de sua obra e genialidade do que pelo próprio conteúdo apresentado. Seus erros (ora quase imperceptíveis, ora nem tanto assim) na guitarra e na harmônica, ou sua voz que sofre os efeitos da idade não importam, por um simples fato: trata-se de Mr. Bob Dylan, alguém que influenciou uma imensa gama de artistas com seu estilo minimalista e sua complexidade lírica que lhe dá status de gênio.

           Um dos artistas mais importantes da história esteve em Porto Alegre. Pode não ter sido uma excelente apresentação, mas foi uma excelente oportunidade de estar cara a cara e se emocionar com uma verdadeira lenda viva.

Por: Marcel Bittencourt

Noite de domingo e Porto Alegre recebe novamente Sebastian Bach, o eterno vocalista do Skid Row, em sua quarta passagem pelo Rio Grande do Sul. Promovendo seu álbum mais recente, o pesadíssimo “Kicking and Screaming” (2011), o cantor atraiu um bom público ao Opinião e mostrou ainda estar em excelente forma na arte de ser um screamer.

    A abertura dos trabalhos ficou por conta do power trio gaúcho Zerodoze, que já abriu diversos shows no mesmo local. Lançando seu novo álbum “O Peso que Corrói”, a banda apresentou um repertório baseado em composições próprias num show flamejante de pouco menos de 30 minutos e cumpriu com louvor a missão de esquentar o público para a atração principal. Destaque, também, para a versão de “Children of the Grave”, do Black Sabbath.

    Pouco depois das 22h a banda sobe ao palco com uma entrada triunfal: “Slave to the Grind” fez o Opinião explodir e deixou claro que a noite seria de uma energia singular. Sebastian, do alto de seus 191 centímetros de altura, Bach entra em cena de forma triunfal, girando o microfone pelo cabo, como nos áureos tempos do Skid Row. Apesar da nítida deterioração de sua voz em relação à época, a performance e o carisma de Sebastian compensam e levam o público ao delírio. Na seqüência, “Kicking and Screaming” e “Dirty Power”, de seu mais recente trabalho, também foram bem recebidas pela platéia que lotava a pista do Opinião. Logo no início da apresentação a qualidade do som comprometeu, porém isto foi rapidamente corrigido. O destaque negativo ficou por conta, apenas, da noite pouco inspirada do jovem guitarrista Nick Sterling, que cometeu erros constrangedores na maioria dos solos e ficou muito aquém da atuação de seu companheiro de seis cordas, Johnny Chromatic.

    A partir dali o repertório foi dominado, basicamente, pelos grandes hits dos dois primeiros álbuns do Skid Row. “Here I Am” e “Big Guns” levantaram ainda mais o público hard rocker. A versão “low profile” que mesclou “Wasted Time” e “In a Darkned Room” emocionou e arrancou lágrimas do público feminino, assim como “18 and Live”, um dos maiores hits do Skid Row.  Mas foi com o clássico riff de “Monkey Business” que o público deu sua melhor resposta: Sebastian, que havia deixado o palco ao final de “As Long as I Got the Music”, retorna com uma camiseta do Brasil com a inscrição “TIÃO” no peito. A bem humorada brincadeira arrancou risos do público e do próprio Sebastian, que a todo momento apontava seu apelido brasileiro.

    “Tunnelvision”, também do álbum “Kicking and Screaming” e “Youth Gone Wild” (que tradicionalmente encerra as apresentações) fecharam os exatos 90 minutos de jogo no Opinião. Desta vez não houve bis, o que, honestamente, não fez falta. A apresentação contemplou diversos clássicos e o melhor do material novo, deixando o público nitidamente satisfeito.  Apesar de abusar dos efeitos na voz (especialmente o delay para estender os gritos mais extremos, que já não consegue executar), Sebastian Bach usou e abusou da experiência, do domínio de palco e do carisma para conquistar, mais uma vez, o público gaúcho e reafirmar sua condição de um dos maiores frontmen do Hard Rock mundial.

    Que venha o próximo.

Por: Marcel Bittencourt

Fotos: Fabiana Menine e Karina Kohl

Um bom público esperava a beira do palco quando a banda começa a tocar, às 21h, sem banda de abertura. Stu Block, o mais novo membro do grupo é bem recebido já nos primeiros acordes de Dystopia, música que dá nome ao último álbum e também à turnê. O guitarrista Jon Schaffer (líder e único músico da formação original), Troy Seele (guitarra), Brent Smedley (bateria) e Freddie Vidales (baixo) completam o cast do show de heavy metal tradicional, mas com bastante peso, que se seguiria por quase duas horas.

    Angel´s Holocaust, do álbum Night of Stormrider e Slave to the Dark do The Dark Saga mostram que o show passará por boa parte da história da banda. Stu mostra que tem capacidade pra encarar as músicas antes entoadas por Matt Barlow e Tim Ripper Owens, mas ainda falta um pouco para agüentar um show todo. Voltando ao Dystopia, V se encaixa melhor nos vocais, e funciona muito bem ao vivo. Infelizmente, o som muito alto acabava embolando um pouco os solos de guitarra e, por vezes, até a própria voz de Stu. Stand Alone, When the Night falls prepararam os headbangers para a clássica The Hunter também do disco The Dark Saga, e faz com que o público cante a plenos pulmões.

É muito bom ver a banda no palco, com um bom entrosamento, mas o destaque sem dúvida vai para Jon Shaffer. Sua guitarra consegue se impor dentro do peso de toda a banda e ele mostra o domínio do seu trabalho de forma excepcional.

A noite segue alternando bem músicas do Dystopia com outros clássicos da banda, até a chegada da épica Dante´s Inferno do Burnt Offerings para encerrar a primeira parte do show. Se no disco ela já tem quase 17 minutos, ao vivo ultrapassa os 20. A música é ótima e funciona bem, mas torna-se um pouco cansativa e ocupa um bom espaço de tempo no show.

    Com um rápido intervalo, a banda volta em grande estilo com Burning Times, que pareceu ser bem mais pesada do que no álbum Something Wicked This Way Comes, de 1998, e claro com a música homônima da banda, Iced Earth. A esta hora, já se notava algumas falhas da voz de Block, especialmente em notas mais altas, onde mostrava o cansaço do esforço. Nada que prejudicasse o espetáculo.

     Com o público na mão depois de uma boa apresentação, a banda recebe de presente uma bela faixa de um grupo de fãs vindos especialmente de Guaporé para assisti-los, e talvez isso que os tenha incentivado e pegar novamente os instrumentos e tocar uma última música: Pure Evil, que não estava no setlist dos seus últimos shows.

    No final, a banda agradece bastante a presença de todos e promete que voltará em breve para a capital gaúcha. Não chegou a ser um show memorável, mas foi um belo espetáculo de heavy metal.

Setlist:
Dystopia
Angels Holocaust
Slave to the Dark
V
Stand Alone
When the Night Falls
The Hunter
Damien
Anthem
Declaration Day
Days of Rage
Watching Over Me
Dante’s Inferno
Burning Times
Iced Earth
Pure Evil

Por: Carlos Porto
 

Existem artistas de quem gostamos muito, mas sabemos o quão remotas são as possibilidades de um dia vermos. Normalmente, este motivo está ligado ao aspecto econômico, seja por falta de grana de quem quer ver ou por falta de “viabilidade comercial” de quem poderia contratar, visto que algumas apresentações representam risco de fracasso financeiro. Então, paciência. Thurston Moore, ex-líder da maior banda alternativa de todos os tempos, o finado Sonic Youth, e também gênio deste gênero musical, é um ótimo caso de figura cultuada por um grande número de admiradores, mas que é configura um desses riscos. Kurt Vile foi destaque na maior parte das publicações importantes sobre música na Europa e nos Estados Unidos, sendo saudado como uma espécie de Neil Young ou Lou Reed moderno, mas aqui não passa de um ilustre desconhecido. Mas contrariando os contras, os dois estiveram no palco do Opinião para fazer a alegria dos fãs outrora desesperançosos. A casa não estava lotada, mas um ótimo público compareceu. Gente que talvez desconfiasse que seria a única vez em que seria possível ver uma junção de artistas tão representativos e de gerações diferentes em uma mesma noite de quarta-feira, quando o que se tem é quase só futebol.

    Kurt Vile e seus companheiros do The Violators sobem ao palco para iniciar não um show de abertura, mas uma apresentação completa (ou muito próximo disso, com certeza).  Aos poucos foram conquistando a atenção do público que ainda não os conhecia. Os aplausos foram crescendo sucessivamente, e na terceira música do set eles foram calorosos. Claro, tratava-se de uma de suas músicas “mais conhecidas” e mais bacanas, “Jesus Fever” (tem um clipe bem legal, vale a pena conferir). O público que ainda chegava durante o show de Kurt, acabava se deparando com uma apresentação que ganhava corpo e ia conquistando pela qualidade do material apresentado. Nenhum dos músicos é um grande instrumentista, exceto o baterista, muito técnico e de bom gosto, mas possuem um ótimo repertório e sabem fazer uma verdadeira apresentação de Rock. Pra que mais que isso?

    O embalo folk/rock n’ roll de “Society is my Friend” era para ser a última música do show, mas como ainda sobravam uns poucos minutos para Kurt, o músico resolveu se despedir sozinho com seu violão e fechou de vez essa bela apresentação com “Dead Alive”.  Satisfação estabelecida, para público e banda. A noite começara em grande estilo.

    Era próximo à meia-noite quando a atração principal subiu ao palco. Thurston entra em cena de forma simples. Certo, ele não é uma estrela. O público o saúda com o devido respeito, mas não há muitas cerimônias, de ambos os lados. Depois da banda no palco, ainda demoraram alguns minutos até que começasse a apresentação. Terminados os últimos ajustes (sim, em cima do palco, qual o problema?), começa a apresentação.

Uma música que fala sobre fumar marijuana, buscar discos de jazz e se apaixonar pela vendedora, abre os trabalhos: “Never Day”. A maioria sabia, ou deveria saber, que o show era da carreira solo de Thurston, e isso significava que o material do Sonic Youth não entrava obrigatoriamente nessa, e vindo de quem anda sempre na contramão, era de se esperar que somente o material solo fosse tocado. Isso não quer dizer que as microfonias, barulheiras e dissonâncias típicas de sua ex-banda não estariam presentes. Foi assim que ocorreu, de maneira mais (in)esperada no final de “Orchand Street”. Quase dez minutos de esquizofrenia controlada. A partir de agora poderia se esperar qualquer coisa.

    Thurston Moore promove nessa turnê, o seu elogiadíssimo último álbum, “Demolished Thoughts”. Um álbum bem diferente do que fazia tanto no Sonic Youth como na própria carreira solo. Menos sujo, mais polido e musical do que nunca. Mas como o set list se concentrou também nos seus dois álbuns anteriores (alguns contam três, incluído o inclassificável disco de remixes e participações, Root), tivemos espaço para a sujeira habitual, mas esta estava reservada para o fim. Por hora, o clima era de harmonias mais doces, violão e violino davam o tom. “Fri/End” e “In a Silver Rain with Paper Key” abriram espaço para a nova, no velho estilo, “Groovie” e “Linda”. Daí pra frente, passando por “It’s Only Rock n’ Roll (But i Like It”), dos Stones, a grunge “Cindy (Rotten tanx)”, e a psicodelia de doze minutos da lisérgica “Ono Soul” (originalmente com duração de 3 minutos e meio), o clima era de total subversividade sonora. É estranho como tanta gente enxerga beleza nisso.

    “Circulation” retomou o rumo da apresentação para algo mais palatável, mas não menos belo. Mas foi com “See – Through Playmate” e “Pretty Bad”, ambas do seu primeiro disco solo, que Thurston se despediu. Apesar dos 53 anos, o sangue ainda pulsa jovem.

    Fim de duas ótimas apresentações, ainda mais para quem achava que nunca veria esse dois grandes artistas na capital de seu estado, perto da sua casa e por um preço justo. Pode se dizer que foi uma noite histórica. No micro mundo do melhor e mais avançado que a música independente ainda oferece, justiça seja feita, pode se dizer que foi histórica, sim. Porém, mais do que isso, porque o cientificismo do termo histórico não representa o que se espera de uma bela apresentação de rock. Foi uma noite memorável, de deleite, do início ao fim.

Por: Angelo Borba

Fotos: Marcel Bittencourt

    No entanto, os fãs realmente esperavam pelos grandes clássicos dos Kennedys e o primeiro deles foi, justamente, o maior: “California Ubber Alles” fez o beco explodir. Mesmo com a excelente resposta das canções anteriores, “California” foi, disparado, ponto mais alto da apresentação do cantor americano. “Eletronic Plantation”, uma bem humorada crítica a, segundo as palavras do próprio Biafra “pessoas com seus trabalhos estúpidos com computadores” foi acompanhada de uma encenação hilária com direito a luta contra o sono, litros de café e autoflagelo com o teclado.  Do repertório da banda que o tornou uma lenda, apenas mais quatro canções: “Bleed for Me”, “Too Drunk to Fuck”, “Nazi Punks Fuck Off” e “Holyday in Camboja”, outro destaque na apresentação, que encerrou o set com pouco mais de uma hora de show.

    Houve espaço, obviamente, para os sólidos e bem construídos discursos politizados de Jello Biafra, abordando de forma contundente alguns problemas políticos e sociais, como as prisões controladas pela iniciativa privada nos Estados Unidos, a base de Guantanamo e até mesmo o fato de o Brasil ter reservas de petróleo: “O Brasil tem petróleo agora. Tenham medo. Tenham MUITO medo, pois ter petróleo significa que vocês podem ser atacados!”, alertou o vocalista.

    Depois de pedidos do público e dentro do que era esperado, a banda retorna para mais algumas canções, entre elas a longa e diferenciada “I Won´t Give Up”, que fechou a apresentação. Com uma hora e quarenta minutos de show, Biafra deixa o palco com sua banda para não mais retornar, deixando uma sensação de que mesmo com 100 minutos, o público gaúcho tinha presenciado uma apresentação curta. Com um domínio de palco e energia impressionantes, ficou a certeza de que Jello Biafra, do alto de seus 53 anos ainda tem muito mais gás do que muitos de seus discípulos décadas mais jovens. Porto Alegre recebeu um mestre da arte de fazer um bom show de Punk Rock. Uma noite histórica para o estilo.

    Que venha o próximo.

    Pontualmente às 21h as luzes se apagam para a entrada de Joe Cocker no palco para “Hitchcock Railway”, que botou o público predominantemente adulto para dançar. Desde a primeira canção fica evidente a qualidade de som e luz, bem como a competência da banda que acompanha o cantor (destaque para a excelente baixista Oneida James). Com absolutamente todos os instrumentos excelentemente timbrados e uma mixagem ao vivo de primeira linha, era possível apreciar a música de Joe Cocker em sua totalidade, nos mínimos detalhes e da maneira condizente com a qualidade de uma das maiores e melhores vozes da história da música.

    Após algumas canções que arrancaram uma reação apenas razoável do pequeno público que compareceu para assisti-lo, os primeiros acordes de “Up Where We Belong” arrancam os primeiros aplausos mais fortes. O público cantou junto e se emocionou com uma das melhores interpretações da noite. Da mesma forma, em seguida, “You Are So Beautiful” foi a trilha sonora para os muitos casais de meia idade na pista do Pepsi On Stage.

    O encerramento da primeira parte do show não poderia ter sido melhor: quatro canções emblemáticas de outros artistas, interpretadas de forma tão magnífica e competente que se tornaram clássicos na voz de Joe Cocker: “Come Together” (Beatles), You Can Leave Your Hat On (Randy Newma), Unchain My Heart (Ray Charles), e With a Little Help from My Friends (Beatles) impressionaram o público que, cada vez mais, ovacionava o cantor e sua banda. Os dois retornos de Joe Cocker ao palco, longos, para delírio do público, ainda contaram com outros hits históricos, como “Cry Me a River” (cover de Ella Fitzgerald) e “Long as I Can See the Light” (cover de Creedence Clearwater Revival), que encerrou as quase duas horas de show.

    Simpático e cheio de gesticulações, Joe Cocker não se dirigiu muito ao público. No entanto, mostrou técnica e talento, visto que aos 67 anos ainda é dono de uma voz poderosa sobre a qual construiu sua sólida carreira de mais de quatro décadas. Cantando com a alma, Joe Cocker fez em 2012 o que Alice Cooper fez em 2011 no mesmo local: um dos melhores shows do ano em Porto Alegre, porém, infelizmente, para poucos privilegiados.

Por: Marcel Bittencourt

Sempre que vamos assistir a show, temos certa expectativa do como será e normalmente saímos satisfeitos com o resultado porque conhecemos o que a banda pode oferecer. Algumas raras vezes saímos um pouco decepcionados, mas a melhor sensação é quando o show surpreende positivamente. Tarja Turunen, a incontestável diva do Metal, proporcionou aos fãs na última quarta-feira momentos inesquecíveis, mostrando o porquê de  tantas pessoas terem uma devoção quase mágica pela cantora.

    A noite começou com uma controversa escolha para abrir o espetáculo: A banda Noctis Notus, com Juliana Novo no vocal fez um bom espetáculo, mas a clara influência de Tarja e de sua ex-banda, o Nightwish, fizeram com que a comparação com o a artista principal fosse imediata, o que não é bom. Ainda mais depois da execução do cover Phanton of the Opera, que, inclusive,  estava no setlist de Tarja nos últimos shows desta turnê. Juliana fez uma performance quase impecável nesta música, mas com certeza não foi uma boa escolha pelo fato desta ser uma canção emblemática na carreira de Tarja.

    Com 10 minutos de atraso, as 22h10 a atração principal da noite sobre ao palco do Opinião. Os músicos Alex Scholpp (guitarra), Kevin Chown (baixo), Christian Kretschmar (teclado), Max Lilja (Cello – conhecido por seu trabalho no Apocalyptica), Mike Terrana (bateria, que praticamente dispensa apresentações) e, por fim, Tarja Turunen, recebem os aplausos do público presente.

    Anteroom of Death foi a escolhida para abrir a noite, e desta já se podia ver como seriam os próximos 90 minutos. A qualidade sonora da casa estava excepcional. Os presentes conseguiam ouvir todos os instrumentos e principalmente a voz da diva quase como nos álbuns. Fãs mais histéricos não cansavam de atirar bichinhos de pelúcia e lembranças para a vocalista, que ia acumulando-os na frente dos teclados no meio do palco. My Little Phoenix e a ótima e pesada Dark Star seguiram no setlist junto com Falling Awake, e o retorno do público aumentava a cada nota entoada pelos vocais precisos da moça finlandesa. A bela I Walk Alone conseguiu trocar os gritos pelo coro formado dentro do opinião, mostrando a força de sua carreia solo e que não precisa ficar presa às canções mais antigas, dos tempos do Nightwish.

    Depois deste primeiro set musical a banda descansa um pouco e abre espaço para uma atração quase tão esperada quanto a própria Tarja. Mike Terrana sozinho já é um show. Conhecido por seus trabalhos com Yngwie Malmsteen, Rage e Masterplan, e também tendo gravado com Kiko Loureiro (Angra) em seus discos solo, o cara fez não um solo de bateria, mas um espetáculo dentro do espetáculo. Exibindo toda sua técnica, habilidade e virtuosismo, ele envolveu e divertiu a platéia ao som de Oprheus in the Underworld, também conhecida por ser tema das dançarinas de Can Can.

    A banda retorno com Little Lies e Tarja esbanja carisma e sorrisos. Tenta arranhar um português nos agradecimentos e se mostra emocionada com a resposta de todos. Apesar da carreia solo estar bem consolidada, não poderiam falta alguma mostra das antigas músicas que elevaram Tarja ao que ela é hoje, e a primeira música do Nightwish na noite é Bless to Child, que funciona muito bem dentro do setlist atual, sendo bem recebida, mesmo por aqueles que hoje torcem o nariz para a banda por causa do rompimento.

    Um interessante set acústico é montado no palco, com violão e até uma pequena percussão para Mike, e ali foi realizado uma sequência com River of Lust, Minor Heavenm Sing For Me e I Fell Immortal. Destaque para Tarja ao piano enquanto Christian Kretschmar acompanhava Max Liljano no cello. O fim do show se aproxima com Never Enought, música nova e não tão conhecida e logo após In for a Kill. Sob aplausos e gritos, a banda deixa o palco para um rápido intervalo antes do esperado bis.

    Tarja volta animada, e de cara Mike Terrana puxa em sua bateria a introdução de Over the Hills and far Away, música de Gary Moore e também gravada pelo Nightwish em 2001. A música é ótima e empolgante, e consegue animar mais ainda uma platéia que já estava em êxtase. Die Alive e a ótima Until my last Breath encerram um espetáculo muito melhor do que imaginado pelos fãs da cantora.

    Um show de metal único, como há tempos não se via em Porto Alegre. A qualidade do som, a escolha das músicas, a banda e principalmente Tarja não deixaram brecha para que alguma coisa desapontasse o público presente. Com a promessa que voltaria logo para a capital gaúcha, Tarja Turunen pode ter certeza que terá a casa lotada em sua próxima apresentação.

Setlist:
Anteroom of Death
My Little Phoenix
Dark Star
Falling Awake
I Walk Alone
Drum Solo
Little Lies
Underneath
Bless the Child (Nightwish)
Rivers of Lust/Minor Heaven/Sing for Me/I Feel Immortal
Never Enough
In for a Kill
Over the Hills and Far Away (Gary Moore)
Die Alive
Until My Last Breath

Por: Carlos Porto

Fotos: Karina Kohl

O palco é um lugar sagrado. É onde os grandes artistas se revelam, prosperam e se consolidam. Por conta disso, somado à falência do mercado fonográfico, os shows têm conquistado espaço cada vez mais importante não apenas na vida dos fãs, mas também nas carreiras de seus ídolos. No entanto, alguns artistas conseguem, mesmo com o mercado em crescimento, transcender toda e qualquer expectativa, por mais exagerada que ela seja. E foi um desses shows, grandioso a ponto de atingir o status de épico, que o vocalista e baixista britânico Roger Waters trouxe a Porto Alegre, abrindo sua turnê brasileira, na histórica noite de 25 de Março de 2012.    Já eram 20h40 quando as luzes se apagaram para o momento mais aguardado pelos mais de 30 mil espectadores que tomavam o estádio Beira-Rio: “In The Flesh?”, faixa que abre o álbum The Wall, é recebida com aplausos estrondosos. Boa parte dos gigantescos tijolos já formava, nas laterais, parte do muro, personagem principal do espetáculo. Explosões, no exato tempo de cada acorde da introdução de “In The Flesh” são a deixa para a chegada do lendário Roger Waters, que sobe ao palco sorridente, acenando aos gaúchos. Sua entrada, literalmente cinematográfica, foi registrada com takes típicos dá sétima arte e exibido nas extremidades do muro. Ao final da canção, o som estrondoso de um avião, seguido pela queda e explosão de uma réplica de um pequeno avião militar no palco e a simulação de um bombardeio. Logo na primeira música, a turnê The Wall Live deixou claro que o público estava diante de um espetáculo audiovisual de primeira grandeza. Na seqüência, em “The Thin Ice”, imagens e dados de soldados combatentes mortos foram exibidas no telão ao fundo, para um a um se tornarem, simbolicamente, tijolos no muro.

    O maior clássico do álbum (e da própria carreira do Pink Floyd), “Another Brick in the Wall”, foi o ponto alto do espetáculo, e contou com a presença do coral de crianças do Instituto Canta Brasil. O Beira-Rio explodiu com um dos maiores clássicos da história do Rock. Justificando o título da canção, mais alguns tijolos são adicionados ao muro.  Antes da belíssima “Mother”, Waters se dirige ao público pela primeira e única vez em seu show. Em bom português, o músico agradece: “Estou muito feliz por estar aqui. Em primeiro lugar, quero agradecer às crianças do Canta Brasil. Obrigado. Quero dedicar este concerto para Jean Charles de Menezes e sua família por sua luta pela verdade e justiça. E para todas as vítimas do terrorismo de estado. Nós nos lembraremos de vocês. Obrigado”. Foi ovacionado pelo público, que se emocionou com o discurso.

    Ao longo das canções que se seguiram (“Goodbye Blue Sky”, “Empty Spaces”, “What Shall We Do Now?”, “Young Lust”, “One of My Turns”, “Don't Leave Me Now”, “Another Brick in the Wall Part 3” e “The Last Few Bricks”) mais e mais tijolos eram adicionados ao muro. Ao final, em “Goodbye Cruel World”, Faltava apenas um, por onde Waters cantou a canção antes que o muro se tornasse completo, fechando o primeiro ato, antes do intervalo de 20 minutos.

    O segundo ato, correspondente ao segundo LP, inicia com o muro completo, e a banda executando “Hey You” por trás dele. O público, neste momento, torna-se estrela do espetáculo cantando a canção em sua totalidade. No interlúdio, animações são projetadas no muro, simulando sua destruição. Após “Is There Anybody Out There?”, Abre-se uma pequena janela no muro, revelando uma sala. Na cadeira, em frente à TV, Roger Waters interpreta “Nobody’s Home”. Já o clássico absoluto “Confortably Numb”, que arrancou lágrimas dos fãs, chamou a atenção pela semelhança do timbre de voz do guitarrista Dave Kilmister em comparação com o de seu intérprete original, David Gilmour.

    As mensagens anti-capitalismo, que foram a tônica das animações exibidas no telão, ganharam ainda mais força com o surgimento do tradicional porco voador. Nele, diversas mensagens em português. Entre elas “Tudo ficará bem, apenas continue consumindo”, “Quem morre de fome morre assassinado” e a bem humorada “2,85 é roubo!”, referindo-se ao preço da passagem de ônibus em Porto Alegre.

    Em “The Trial” o destaque fica por conta do final apoteótico com o público bradando “tear down the wall”, antes da destruição completa do muro. Houve tempo, ainda para uma execução intimista de “Outside the Wall” em frente aos destroços, encerrando um dos maiores e melhores shows que já passaram por Porto Alegre.
    O espetáculo The Wall Live supera todo e qualquer tipo de expectativa. A qualidade audiovisual da turnê, aliada à competência da banda e à genialidade de Waters são algo obrigatório para os fãs não apenas do Pink Floyd, mas de música em geral. O show, que ainda passará pelas cidades de São Paulo e Rio de Janeiro já era sonho de consumo dos fãs que o tinham acabado de assistir. Sem sombra de dúvida, um dos maiores espetáculos da terra.

Setlist
In the Flesh?
The Thin Ice
Another Brick in the Wall Part 1
The Happiest Days of Our Lives
Another Brick in the Wall Part 2
Mother
Goodbye Blue Sky
Empty Spaces
What Shall We Do Now?
Young Lust
One of My Turns
Don't Leave Me Now
Another Brick in the Wall Part 3
The Last Few Bricks
Goodbye Cruel World
(intervalo)
Hey You
Is There Anybody Out There?
Nobody Home
Vera
Bring the Boys Back Home
Comfortably Numb
The Show Must Go On
In the Flesh
Run Like Hell
Waitig for the Worms
Stop
The Trial
Outside the Wall

Por: Marcel Bittencourt

Fotos: Fabiana Menine

Em entrevista concedida a esse mesmo site onde vos escrevo, Lobão prometeu ao público porto-alegrense um show épico, ou melhor, bíblico. Épico até entendo, mas que raios seria um show bíblico?! Depois de quase duas horas e meia de muito rock n’ roll, acho que o esdrúxulo adjetivo é algo até bem palpável.

Sete meses atrás, Lobão havia trazido ao Festival de Inverno o seu novo show, chamado de Elétrico, no Teatro do Bourbon Country. Naquela ocasião, Lobão presenteou a platéia com uma apresentação impecável. Agora, para a já clássica noite de reabertura do Opinião, nada melhor que trazer novamente um grande show, que apesar de se tratar da mesma turnê, desta vez a apresentação contou com grandes diferenças.

Meia-noite em ponto e ao som de um diálogo entre Chapeuzinho Vermelho e o Lobo Mau, Lobão sobe ao palco do Opinião, felizmente lotado. “Universo Paralelo” abre a performance de um dos maiores ícones do nosso rock, mais do que isso, da nossa música. “Mal de Amor”, do injustiçado disco “Nostalgia da Modernidade” é tocada de forma mais lenta, e intercalada com as clássicas “Bambina”, “Canos Silenciosos” e “Decadence Avec Elegance”, acabam por formar um começo de show bem ilustrativo do que normalmente tem sido as apresentações de Lobão, que sempre mistura seus já esperados clássicos com o seu repertório menos conhecidos, assim conseguindo agradar a grande maioria do público, que convive bem com essas duas facetas.

“El Desdichado”, que é sem dúvida umas das composições mais fortes de Lobão possui, ao vivo, e já no acústico, ela ganha um peso e uma levada sensacionais, explodindo em um final apoteótico. Grande momento! Um momento “romântico”, como descreveu o cantor, veio para dar uma acalmada no ânimo e pegar um fôlego, porque a noite prometia. Anunciada como “a canção de amor mais linda que eu já fiz”, “Vou Te Levar”, de fato, emocionou os presentes e foi um dos grandes momentos do show, que não poderia encerrar de outra forma se não com o seu clássico mais romântico e triste, “Me Chama”, cantada em uníssono por um público já conquistado.

Depois de uma hora e meia de show e dezoito músicas tocadas, a apresentação poderia encerrar com um saldo extremamente positivo. Claro que ainda teríamos o bis, e ele foi bem generoso, a começar por Mal Nenhum, parceria sua com Cazuza e que ganhou uma versão bem intimista, a exemplo da próxima canção a ser tocada: “Help!”

Em que o pedido de ajuda outrora cantado por Lennon, ganhava sua versão “Lobaniana”, na hora me lembrei de uma versão para Help, cantado por Caetano e que tinha um clima bem parecido… Ironias à parte…

Mais três clássicos: “Essa Noite Não”, “Rádio Blá”, que sempre fenomenal ao vivo, e “Corações Psicodélicos” encerraram a noite em grande estilo. Bom, foi o que havia pensado. Ao término, as luzes não voltam a acender, a galera se agita um pouco e chamam por Lobão mais uma vez.

Ele volta.

Para o segundo bis da noite, depois de algumas (várias) doses de whisky, o cantor avisa que tocaria umas canções “mais lado b”. Mesmo sendo uma quinta-feira às 2h da madruga, a maior parte do público não arredou pé. Começou com “Tão Menina”, música feita para sua irmã. Seguiu com a pesadaça “O Homem Bomba” e a melancólica “Sozinha Minha”, que mesmo Lobão tendo esquecido metade da letra, ainda valeu a pena, pela canção e pelo inusitado daquela situação. Ao fim de cada bis o músico avisava que seria a última canção da noite e, bem, foram sete últimas canções da noite.

Sua mais recente canção, “Agora é tarde”, antecedeu outra novata, “Song for Sampa”. A clássica “Chorando no Campo”, agradou em cheio, mas ainda não era uma música para terminar uma apresentação tão vigorosa. Para isso, fora escolhida o “Samba da Caixa Preta”, singela homenagem crítica ao Rio de Janeiro, para encerrar de vez uma apresentação bíblica.

Lobão mostrou como se faz um show de qualidade técnica altíssima e extrema humildade. Não foi simplesmente uma ótima apresentação de rock n’ roll, mas uma demonstração de imenso prazer por seu ofício.  

Por: Ângelo Borba

Fotos: Giovane Paim

Essa cantora, compositora e atriz não é tão novata no universo musical quanto alguns pensam: há quase vinte anos ela vem construindo uma sólida carreira no underground brasileiro. Mas foi em 2010 que o nome de Karina começou a pipocar em vários cantos do país, por conta do lançamento do maravilhoso “Eu Menti Pra Você”. A crítica o recebeu muito bem o e o público fez um bom boca-a-boca, o que garantiu uma boa procura ao disco e fez aumentar a ansiedade pelo segundo trabalho, “Longe de Onde”, que a cantora veio agora lançar em terras gaúchas.

O Opinião não estava lotado, mas um ótimo público se motivou a sair de casa numa segunda-feira à meia-noite para prestigiar a estréia de Karina na cidade. E meia-noite em ponto a banda sobe ao palco: Edgar Scandurra, Fernando Catatau, Mau, Bruno Buarque, Guizado e André Lima formando um grupo fenomenal para que Karina tenha à sua disposição um imenso arsenal sonoro. Optam por abrir a apresentação com “Sem Fazer Idéia”, linda música do seu mais recente disco e uma composição densa. Uma escolha atípica para abertura de um show. Segue com “Cadáver”, que vai aos poucos levantando o clima do show (pelo título da música fica meio difícil acreditar, eu sei), e conclui o aumento gradativo com a dançante, mas nem tanto, “Vira Pó”.

Karina veste um vestido lantejoulado, dourado, com uma pintura azul no rosto, diferente do visual “dark” que adotou na capa do seu novo trabalho. O contraste com o universo de sua poesia é berrante, mesmo nas canções animadas o clima nunca é ameno o suficiente para descerebrar. Quando as guitarras cortantes de “Guitarristas de Copacabana” dão início à esta paulada, a cantora que até então quase não era ouvida pelo público e nem no seu retorno, se revolta com a estrovenga e a joga no chão. Estava liberta. Agora, Karina se movimenta pelo palco, corre, deita aos pés dos companheiros de banda, enrola o microfone no pescoço, se machuca. Durante uma das melhores músicas do set, “Avião Aeroporto – “ (…)  Por que o corpo humano tem a resistência perfeita, se bate de leve dói, bate de com força mata.” -, é possível ouvir os barulhos que vazavam no microfone dos tapas que a cantora dava em seu rosto. Ossos do ofício… O de ser atriz.

Um dos grandes momentos da apresentação ficou por conta de uma de suas músicas mais bonitas, “Nassiria e Najaf”, com sua levada Rock n’ Roll provou que é obrigatória em qualquer apresentação da cantora. O final punk ficou a cargo de “Cara Palavra”. Levou o público a rendição total. Claro que ainda havia o bis, e não foi rock, não foi punk, não foi MPB e nem indie a maneira de se despedir do palco, foi com o seu funk auto-irônico, “Ciranda do Incentivo”, que Karina encerrou esta grande apresentação.

Se manter o alto nível de seus lançamentos e suas apresentações, não vai demorar para que Karina lote tranquilamente o Opinião na sua próxima visita aos gaúchos. Quem ainda não conhece esta preciosidade, está perdendo tempo. Aposto que logo, logo ela volta acompanhada de sua maravilhosa banda. A possibilidade de presenciar uma artista em plena ascensão deve ser sempre aproveitada.

Por: Angelo Borba

Fotos: Giovani Paim/Opinião Produtora

Apesar de terem pouco tempo de estrada, essa banda californiana já conquistou um bom número de fãs ao redor do mundo. Muito dessa conquista se deve à forma com que o grupo trabalhou sua música e imagem na internet. O disco anterior do Black Veil Brides, "We Stitch These Wounds", obteve boa resposta do público e de vendas, rendeu a eles um contrato com a Universal Music (naqueles selos para bandas menores, é bom dizer) e assim puderam experimentar uma maior produção em todos aspectos, de vídeo clipes mais bem acabados a produtores gabaritados. Lançaram "Set The World On Fire", disco a ser divulgado na primeira passagem da banda no Brasil.

O show estava marcado para às 22h, mas deixando os britânicos meio envergonhados, os estadunidenses iniciam a apresentação 12 minutos antes do previsto. Essa pressa era o prenúncio do que seria o tempo total da apresentação. Quando sobem no palco levam ao delírio as cerca de 800 pessoas que estavam ávidas pela banda. Abrem o set com “Love Isn't Always Fair” e mostram que o público já estava ganho mesmo antes da banda desembarcar em Porto Alegre. Seguem com “All Your Hate” e o cover do clássico de Bili Ydol: “Rebel Yell” (que, aliás, ficou bem legal na versão da banda). Os músicos mantêm o pique do show correndo e se comunicando com a plateia, seguem o protocolo das bandas de hard rock de maneira correta. Não faltam caras e bocas e muita “testosterona” rockeira para os caras do Black Veil Brides.

O repertório do show foi baseado principalmente sobre as músicas do mais recente álbum e por isso privilegiando uma apresentação muito mais voltada para o hard misturado com alguns elementos de metal e screamo. Percebe-se uma mudança nos rumos da banda e no show isso se torna mais claro. Praticamente não se ouve mais os vocais guturais de Andy. “Knives and Pens”, maior hit da banda, é executada de maneira capenga pela banda, e praticamente sem a presença do vocalista, que, ao que  parece, teve de sair do palco por algum problema técnico. A galera não pareceu se importar tanto e cantou a música do início ao fim. Logo após veio “Legacy”, outra que ao vivo funciona muito bem, e um solo bastante técnico do baterista Cristian Coma.

No momento que a banda sai do palco, é rapidamente ovacionada e começam os pedidos de bis. Certo, os fãs chamam a banda uma vez. Depois, silêncio. A banda esperando pelo público (que a chamassem outra vez) fica a ver navios. O guitarrista, fora do palco, faz um pequeno solo para avisar que a banda ainda estava viva. A plateia encena um gritinho tímido mas não chama "Black Veil Brides”. O guitarrista tenta de novo e nada acontece. A banda volta (afinal tinham sido apenas sete músicas até então). New religion é a escolhida, e bem escolhida. A música ao vivo ficou muito pesada e se mostrou obrigatória nas apresentações da banda. “Youth and Whisky” encerra o primeiro bis. Após um pedido novamente tímido, a banda retorna e encerra a apresentação com uma de suas melhores músicas: “Fallen Angels”. É hard puro do começo ao fim.

A banda vem conquistando bastante público e esse show, apesar de não estar lotado, mostrou que em pouco tempo a banda cresceu claramente. Havendo um próximo, muito provavelmente, haverá mais público. Vários fãs estavam acampados em frente ao Opinião um dia antes do show, mostrando a devoção que a banda desperta em alguns. Sendo isso uma grande demonstração de admiração por parte dos fãs, era mais do que justo uma apresentação que não ficasse somente em 55 minutos e míseras 10 músicas. Vale lembrar que o set list da turnê que eles estão promovendo fica em média de 15 músicas por show.  Pelo que percebi os fãs sairam satisfeitos da apresentação, mesmo com pouco tempo e a qualidade do som ficando a desejar. A banda mostrou que tem ótimos músicos e sabem fazer canções que funcionam muito bem ao vivo. Poderia ter sido uma grande apresentação (nos dois sentidos), mas foi apenas boa.

Por: Ângelo Borba

Fotos: Lucas Mello/Abstratti

    Os discursos inflamados de Paulão também marcaram presença na quinta-feira: o divertido discurso sobre o ano de 86, conforme foi feito na gravação, lembrou as figuras clássicas de Ramón Valdez (o Seu Madruga) e Mussum, sem deixar de espinafrar os políticos da época (que permanecem até hoje). Paulão também falou a respeito da participação no festival Lollapalooza e do episódio envolvendo o músico Lobão (que postou depoimento alegando suas razões para a recusa do convite). Em bom português, Paulão disse:  respeitar Lobão e a sua opinião, mas que ele fosse se…

    No entanto, não tinha como ser diferente, os dois maiores clássicos “Abre Essas Pernas” e “B.U.C.E.T.A.” responderam, como era previsível, pelos pontos altos da apresentação da banda paulista. Para encerrar, “Hino dos Solteiros”, única das clássicas machas de carnaval das Velhas Virgens a constar no repertório da noite.
    Rock and Roll, cerveja e muita diversão. Essa á a fórmula das Velhas Virgens. Uma fórmula simples, honesta e que vem dando certo há 25 anos.

Por: João Pedro da Conceição

Noite de domingo em Porto Alegre e a cidade recebe pela segunda vez no ano o show da turnê “Odiosa Natureza Humana”, mais recente trabalho da banda carioca Matanza. Liderados pelo “gigante irlandês” Jimmy London, a banda formada ainda pelo baixista China, o guitarrista Mauricio Nogueira e o baterista Jonas, apresentou um repertório repleto de clássicos para ninguém botar defeito.    A noite começou  com duas atrações locais que ficaram responsáveis pela abertura dos trabalhos: Zerodoze e Balde de Sangue Country Bar. Habituada a enfrentar e convencer o público difícil de agradar do Matanza, a Zerodoze subiu ao palco pouco antes das 20h30. A exemplo do que aconteceu nas outras duas vezes em que a banda assumiu essa função, agradaram com sua firmeza, presença de palco e, principalmente, qualidade. O trio fez apresentação fortíssima e ganhou o público com excelentes composições próprias e uma trinca de covers bastante inusitada: Metallica (Holier than Thou), Black Sabbath (Children of the Grave) e Rage Against The Machine (Killing in the Name). Simplesmente destruidor o show da Zerodoze, uma das melhores bandas independentes do Rio Grande do Sul.

    Já a Balde de Sangue Country Bar não teve a mesma sorte. Com influência pesada do Matanza, seja nas composições, na temática ou até mesmo nos discursos de seu vocalista, a banda soa mal (não era possível ouvi-la com nitidez) e comete erros básicos como provocar o duro público do Matanza, ao defini-los como “muito paradinhos”. Foi o que bastou para que a banda ganhasse a antipatia da platéia, que começou a clamar pela banda de fundo. Destaque para “Jesse Joe e o Tiroteio”.

    Pouco depois das 22h30 o Matanza entra em cena com a tradicional introdução instrumental. Somente ao fim do tema entra em cena Jimmy, com o semblante fechado e carrancudo pelo qual é conhecido. “Remédios Demais”, música que abre o álbum “Odiosa Natureza Humana” é a escolhida para dar o pontapé inicial à apresentação. Na seqüência, a pesadíssima “Ressaca Sem Fim”
    “Eu não tenho nada mais justo, e nada mais relevante a dizer do que: PUTAQUEPARIUPORTOALEGREEEEEEEEEEEEEEEE!!!!”, bradou Jimmy antes de “Meio Psicopata”. A quebradeira estava oficialmente aberta no Opinião.

    Os tradicionais discursos de Jimmy London, como não poderia deixar de ser, permearam a apresentação como a divertida brincadeira com a camiseta da Marka Diabo que continha a inscrição “Clube dos Canalhas” (Jimmy disse que ia compor uma música de improviso de acordo com o que estivesse escrito na camiseta) ou ainda o espaço para que o público escolhesse qualquer música do Matanza “desde que fosse Mesa de Saloon”.

    Todos os trabalhos autorais do Matanza foram lembrados no repertório, extremamente bem recebido com picos de reação do público nos clássicos “Bom é Quando Faz Mal”, “Pé Na Porta, Soco Na Cara” e “Ela Roubou meu Caminhão”. A ausência sentida ficou por conta dos também tradicionais covers de Johnny Cash, que ficaram de fora da apresentação de domingo.

    Durante quase duas horas de show (quase o dobro do tempo da primeira apresentação do Matanza no Opinião, em 2006), o Matanza se mostra uma das bandas com maior e mais sólida base de fãs no cenário Rock nacional. Após mais uma apresentação impecável, aconteceu o que já virou regra: a banda volta para o bis com “Taberneira Traga o Gim”.  “Vocês sabem que bis, só em Porto Alegre”, agradece o vocalista Jimmy London antes de a banda de despedir dos gaúchos, fechando mais uma ótima apresentação do Matanza.

    Que venha o próximo.

Por: Marcel Bittencourt

Fotos: Fabiana Menine

Noite de sábado e o Teatro do Bourbon Country ficou lotado novamente, dessa vez, a atração era mais do que especial: Erasmo Carlos, um dos maiores ícones da Jovem Guarda e da própria música brasileira veio mais uma vez a Porto Alegre, agora com a bem sucedida turnê “Sexo e Rock and Roll”. Aos 70 anos de idade e comemorando meio século de carreira, o Tremendão mostrou competência e vitalidade em um excelente show de Rock.     A noite começa às 21h15, quando as luzes de apagaram por completo. Apenas o telão de LED ao fundo, dividido em quatro colunas, permanece aceso exibindo animações de conotação sexual, enquanto ouvia-se o tema que dá nome a seu último álbum: Sexo. Ao acender das luzes, Erasmo adentra o palco logo após o sexteto que o acompanha para “Kamasutra”, primeiro single extraído de “Sexo”. A canção abre o show com um clima Rock and Roll bastante denso, também por conta do arranjo com três guitarras e um violão. Na seqüência, o primeiro grande sucesso: “Sou Uma Criança, Não Entendo Nada”, levantou ainda mais o público.

    Antes de outro clássico, “Filho Único”, Erasmo cumprimenta a platéia gaúcha: “Boa noite Porto Alegre! Quero dizer que é um orgasmo inenarrável de novo estar aqui… se for contar quantas vezes eu estive aqui e as coisas que eu fiz aqui… ihhh… Mas, quero dizer que nunca antes, nunca antes na história desse pais, vocês viram um compositor tão feliz no palco, porque fazendo 50 anos de carreira – não gosto muito desse termo, ficou sujo (risos) prefiro “de estrada – e fazendo o que gosta, lidando com música”.

    Outra característica interessante de um show de Erasmo Carlos é sua interação com o público, conversando e contando histórias de acordo com a canção subseqüente. Ao anunciar “Roupa Suja”, Erasmo fala sobre a parceria com Arnaldo Antunes, que escreveu a letra para a música de sua autoria: “Arnaldo descreveu o desespero de um fim de caso, um relacionamento, onde certamente existem mágoas”. E antes de “Panorama Ecológico”, Erasmo relembra que muito antes de assuntos como ecologia e sustentabilidade se tornarem pauta, ele e o eterno parceiro Roberto Carlos já o faziam na década de 70: “Essa história de ecologia, eu e o Roberto já falávamos isso lá na década de 70! Só que ninguém dava a mínima bola. Pessoal da gravadora chegava pra gente e dizia ‘Esse negócio de ecologia aí não tá com nada, não vende, a mulherada quer é música de amor’ e a gente ficava meio assim… Aí a gente fez uma música sobre as baleias e esse cara chegou pra nós e disse ‘baleia não compra disco!’ diante disso, né… que que a gente podia dizer? Aí, anos depois, veio o Sting, o Bono Vox, falando de ecologia e todo mundo olhou pra eles ‘oh, que legal, olha só, vamos prestar atenção’. Aí a gente descobriu qual foi o nosso erro: a gente cantava isso em português!” completou Erasmo, antes de forte aplauso.

    O repertório, bem pensado, contemplou clássicos e novidades da carreira de Erasmo Carlos. Entre as mais conhecidas, sucessos da carreira solo como “Mulher” e “Mesmo que Seja Eu” e ainda canções emblemáticas do áureo período da Jovem Guarda, como “Gatinha Manhosa”, “Vem Quente que Eu Estou Fervendo” (que ganhou uma versão pesada, flertando com o Metal) e “É Proibido Fumar”. Já entre as mais recentes, destaque para “Jogo Sujo” e “Amorticídio”, além da já citada “Kamasutra”.

Dois momentos emocionantes trouxeram um clima mais intimista à apresentação: No primeiro deles, todos os músicos deixam o palco, exceto o tecladista José Lourenço, para que Erasmo, sentado em um banquinho, desse início ao belo medley de “Desabafo”, “Café da Manhã”, “Detalhes”, “Eu Te Amo, Eu Te Amo, Eu Te Amo” e “Como é Grande o Meu Amor Por Você” relembrou antigos sucessos em parceria com Roberto Carlos e emocionou o público presente. No outro, o clássico “É Preciso Saber Viver” contou com a participação especial do quinteto de cordas da PUCRS, enriquecendo o arranjo de forma brilhante.

Em uma falsa saída do palco, os músicos que o acompanham encenam um retorno à força de Erasmo, para encaminhar o encerramento da apresentação com “Pega Na Mentira” e “Cover”. Nesta última, o brilho especial ficou por conta de um cover de Roberto Carlos, vestido a caráter e, inclusive, distribuindo rosas tal qual o original. Hilário. Por fim, “Festa de Arromba” encerrou a noite, fazendo jus ao nome da canção escolhida para encerrar os trabalhos. Após uma hora e quarenta minutos de show, Erasmo deixa o palco para não mais voltar, encerrando um dos melhores shows do ano em Porto Alegre.

Que venha o próximo!

Por: Marcel Bittencourt

Fotos: Fabiana Menine

   Há um ano uma iniciativa entre três caras (Gabriel Souza, do Opinião, Brisa Daitx, produtor, e Fernando Rosa, o SenhorF, jornalista e produtor) abriu um novo espaço para bandas independentes em Porto Alegre: desde então, um domingo por mês o Opinião passou a abrir as portas para receber três novas bandas merecedoras de um espaço de qualidade para a apresentação de seu trabalho. Em 12 meses a Noite Senhor F recebeu nada menos que 33 bandas, inclusive de outros estados. Até a banda Argentina El Mató a un Policia Motorizado participou de uma das edições. No último domingo, a edição de aniversário recebeu três bandas irreverentes e históricas no cenário underground: Tarcísio Meira’s Band, Repolho e Graforréia Xilarmônica. A festa, como não poderia deixar de ser, foi completa e muito, muito divertida.    Às 21h30 quem deu o pontapé inicial foi a Tarcísio Meira’s Band. A maior banda de Chinelo Metal do mundo fez mais uma de suas apresentações bizarras, com direito a vocalista de cueca de oncinha, um integrante fantasiado com uma cabeça de cavalo e vestindo uma sunga, detalhes referentes ao maiores clichês do Metal e escracho de todos os tipos. O público ainda era pequeno no show da Tarcísio, mas isso não impediu o vocalista FULANO de levantar o “Opinião Lotadooooooooo”, como o próprio bradou. O destaque ficou por conta dos maiores hits “Gordo Flávio” (homenagem à clássica figura do Metal gaúcho, Flávio Soares, do Leviaethan) e “Tio Me Dá Um Pão”, onde a banda jogou pão para a galera da pista. Um show extremamente divertido e bizarro, que dividiu o público entre os que choravam de rir e os que não entenderam nada do que acontecia no palco. A despedida foi igualmente hilária: “vão todo mundo tomar no meu cu, agradeço a todo mundo, agradeço a São Pedro e agradeço os pau no cu”. Ou seja: uma típica apresentação da Tarcísio Meira’s Band.

    Após uma breve troca de palco, os chapecoenses da Repolho, capitaneada pelos irmãos Panarotto, sobe ao palco. O visual de FULANO Panarotto é simplesmente indescritível, como pode-se observar nas fotos.  Os hits estavam lá, destaque para “Metalêro Sem Pará”, “Maria Gasolina” e “Adriana”. A performance de Demêtrio Panarotto foi um show a parte, com direito a levar a banda a deitar no chão no momento do solo (sacaram o trocadilho?) e convidar todos os metaleiros coloridos a desenharem flores, borboletas e pássaros no céu, pra depois enfiarem seus lápis coloridos no cu. Essa é a Repolho, de Chapecó. Sensacional.

    Já eram mais de 23h quando a atração principal subiu ao palco, após um discurso de agradecimento da Brisa Daitx e do próprio Senhor F (que aproveitou para mandar uma corneta pertinente, agradecendo a todas as bandas que tocaram esse ano e estavam ali naquela noite). O trio Frank Jorge (Baixo e Vocal), Carlo Pianta (Guitarra e Vocal) e Alexandre Birck (Bateria) começa a apresentação já emendando clássicos: “Patê”, “Minha Picardia” e “Bagaceiro Chinelão” trouxeram o público para a frente do palco, preenchendo a pista.

    A festa se completou com o desfile de hits da Graforréia Xilarmônica, que levantou o público com “Literatura Brasileira”, “Você Foi Embora”, “Eu”, “Nunca Diga” e o super clássico do Rock Gaúcho “Amigo Punk”.

    O encerramento, em clima de festa, se seu com os vocalistas das três bandas sobre o palco do Opinião para “Rancho”. Quando a banda se preparava para a despedida, Demétrio Panarotto impede o fim, sob a alegação de que faltavam “mais umas 40 ainda” e ordenou “Baixo Elétrico, Baixo Acústico”. Além desta, a banda ainda manda “Quase Quarenta” e encerra a noite com uma bela canção sobre a vida adulta.

    A Noite Senhor F do último domingo fechou com chave de ouro o primeiro ano do projeto. Foi a celebração de um espaço importante e histórico para as bandas independentes. Uma noite divertida e cheia de significados para quem foi e para quem, se alguma forma, participou de alguma das edições anteriores.

    Que venham ainda muitos e muitos aniversários da gloriosa Noite Senhor F.

Por: Marcel Bittencourt

Fotos: Fabiana Menine e Karina Kohl