A apresentação ocorrida no sábado foi, naturalmente, a que teve o público mais quantitativo, mas não o suficiente para lotar a casa. Aliás, as apresentações poderiam ter sido divididas apenas entre sexta-feira e sábado para que não ficasse tão fragmentado. Uma questão de detalhe, mas que teria jogado a favor de Bebeto. Mesmo assim, o público que compareceu estava ansioso para ver o que esse grande compositor tinha reservado para as noites de estréia.

Acompanhado dos sempre parceiros Blackbagual`s (Marcelo Corseti, Luke Faro e Rodrigo Rheinheimer), o Músico deu início a apresentação com “AEIOU”, seguida de “Noticia urgente”, “Naval”, “Festa dos Caranguejos” e a milonga sui gêneris “Tum tum Tum”, exatamente igual à ordem que compõe o CD ao vivo presente na caixa. A qualidade do som estava ótima, todos os instrumentos bem nítidos e a iluminação era um show à parte, eficiente do início ao fim.

O setlist nesta primeira parte do show era totalmente baseado no disco ao vivo, aproveitando a ótima banda que o acompanha e que esteve presente na gravação. O show contou com um momento muito bacana em que foram apresentadas as suas músicas inéditas. Repetindo o formato do disco, Bebeto se pôs ao violão e, acompanhado de Luke Faro e Rodrigo Rheinheimer nas percussões, executou os temas acústicos de “O maravilhoso mundo perdido”, começando pelo ritmo árabe de “Carretera” e seguindo pela maravilhosa “Ruas”, onde o artista constrói uma poesia interessantíssima, beirando ao surreal, sobre a vida que ora paira nas ruas, e ora possuem as ruas. Destaque também para o swing de o “Mar de Gente”, e a singeleza impressionante de “Te cuida”.

Terminado o trecho acústico, volta a banda para concluírem a apresentação com alguns dos clássicos da carreira de Bebeto. Estavam lá os temas que foram consagrados nos anos 80 como “Pegadas” e “Depois da chuva”, pra começar com as mais famosas. Ainda tivemos “Flash” e o encerramento com a belíssima “De Um Bando”.

Foi uma apresentação irretocável tecnicamente e que conseguiu abranger praticamente toda a sua carreira. Bebeto conseguiu mostrar que ainda tem muita lenha pra queimar, e um grande repertório a sua disposição, construído de décadas, para continuar dialogando com um público atualmente tão carente de artistas de espírito jovem e tão questionadores como ele.

Local: Teatro do SESC centro (av Alberto Bins, 665)
Hora de Início: 20:00
Datas: 25/26/27 de novembro

Ingressos:

Ponto de venda: Bilheteria do Teatro so SESC das 14 as 18h

Preços:

R$ 30,00 para usuários

R$ 24,00 para empresários

R$ 15,00 para classe artística/estudates/idosos

R$ 5,00 comerciários

Deixemos agora as formalidades descansarem enquanto descrevo um pouco da minha peculiar experiência na noite em questão: a cena de abertura, sem dúvida a mais linda de todas, é visualmente soberba. Nus, corpos débeis são banhados por filetes de luz numa dança harmônica e poética. Há bom equilíbrio cênico, honrando o nosso caríssimo “platô”; não ouso definir a trilha sonora, mas muito me lembrava à música celta, que já ligo com ópera. Cria-se uma confusão de vozes com a primeira fala, que inclusive permeará (tal gancho) a trama do espetáculo: “Ama (pausa) Escreve”. A nudez torna-se explícita quando as luzes são ligadas, é aí que os personagens correm constrangidos.

O cenário limpo e minimalista, conta com apenas uma mesa branca. Ao decorrer da peça, notaremos quão subjetiva e sagaz (também cansativa) é a lógica escolhida. Os personagens não chegam a formar relações sólidas e a linearidade (início, meio e fim) é questionável. De um maníaco com vestes de açougueiro e gancho na mão, vamos para um casal de homens que discutem a relação na mesa. Interessante que as calças não faziam parte do figurino. Com adequado nível de jogo, o casal termina a discussão (que é permeada por longas pausas) encima da mesa, ao passo que conciliam: tango, sexo e fuga. A mesa é agora porta de transição para o território da morte, a menina de vestido branco e bebê no colo. É contada uma história nos extremos do palco, de um lado a narração, do outro a ação. O personagem que narra a história, ao enfurecer-se, demonstra o pouco preparo vocal; suas veias saltam e a pele cede ao vermelho. È possível dizer que a voz, no contexto geral, não consegue atingir a força do diálogo; resultando em falta de presença no palco e insegurança. A voz, compreendida como extensão corporal, deve ser uma aliada no trabalho cênico e não uma inimiga.

Em fileira, os atores mostram-se suspensos por cordas, como bonecos de madeira. Que naturalmente ganham vida sendo assim manipulados e logo mais libertados pela morte. Retirei o fragmento abaixo do programa do espetáculo.

“O destino de cada um está suspenso em cordas invisíveis, manipuladas por um deus, suposto ou real, que se diverte com o espetáculo que ele mesmo criou. Mas que precisa rir sozinho, pois é intangível.”

No velório de Flávia (simbolizada por um dos atores), as garotas debruçam-se sobre o caixão bradando que a mesma acordasse. Em histeria, abusam do finado como se fosse um pano velho, “um pedaço de carne carcomida”. Prostitutas, as mulheres vão revelando suas experiências com Flávia e seus conceitos sobre desejo e morte; tudo em tom fervoroso. Destaque para a coreografia cômica. Flávia acorda e o conflito é resolvido com uma morte; porém, apesar da busca nervosa por uma atmosfera de tensão, ela nunca é firmada. As palmas do público antes do término revelam que o nervosismo do elenco foi refletido em impaciência por parte da platéia.

Uma das últimas imagens, composta por todos os atores em volta da mesa, trata-se da conhecida Última Ceia – ou deveria dizer Profana Ceia? – que me remeteu à cena final do filme espanhol “Viridiana”. Os “discípulos” alimentam-se de pão e vinho, mas a fome não é saciada. E assim damos partida ao banquete carnívoro, também lascivo. Uma nova coreografia resulta em orgia, intercalada por “fotos”: pausas em que todos congelavam seus movimentos, ao passo que viravam os rostos para a platéia em tom de constrangimento e repreensão. Tudo isso num belo contraponto da luz: enquanto a metade inferior da mesa (e dos atores) era iluminada por uma luz fluorescente branca, a metade superior contava com um holofote de luz vermelha alaranjada. Trabalho impecável de Juarez Barazetti.

“A ordem mais latente, a fome mais sublime, a intangibilidade de tudo são transformadas num balé doce/macabro que escancara a presença da finitude”

A última cena, não fosse a cacofonia moralista das gravações de fundo, teria maior carga de impacto. Justamente essa tentativa de impacto, visível tanto na nudez quanto no próprio material de divulgação, não funciona como deveria. Se para alguns impacta, para outros margeia a comicidade. Nesse caso, vejo a humildade como uma das possíveis soluções.

Por: Guilherme Nervo

Fotos: Divulgação

O negro e o vermelho monopolizaram o palco, representando bem o clima que se desenrolaria ali em cima. Sarcasmo, desdém, inveja e ressentimento permeiam os intervalos do ensaio de três atores na São Petersburgo de 1905, às margens do Rio Neva. Seus jogos interpretativos exaltam um mundo próprio, fechado, em que disputas de vaidades são os laços que os ligam, numa valorização extrema da importância de sua arte, alheia aos conflitos prementes do mundo extramuros.

Olga Knipper é uma atriz consagrada internacionalmente, extremamente dedicada ao teatro e que vive uma crise: seu marido, um grande diretor teatral, está internado em um sanatório alemão, definhando em virtude da tuberculose, muito longe dos holofotes do teatro. Essa situação, na visão de Olga, macula a sua imagem de atriz perfeita. Ela se alimenta de representações sobre todas as coisas, inclusive sobre como teria sido a cena de quando recebeu a notícia da morte do seu marido.

Acompanhada de outros dois atores, Alexander e Masha (que vive ouvindo os insultos de sua companheira mais experiente), travam longas discussões sobre técnicas teatrais, ao mesmo tempo em que a Rússia passava por um período de crise social, em que as pessoas lutavam pelo seu direito de poder sobreviver, diante da enorme repressão czarista.

Tudo na peça é representação, por mais redundante que esse comentário pareça. O espectador nunca sabe o que vai se revelar no diálogo seguinte, se a platéia responderá com risos ou olhares sério. Somos levados a crer, de forma magistral, diga-se de passagem, que estamos diante de um simples ensaio de uma peça, onde os atores representam sem nenhum compromisso, inclusive entre eles.

O texto evolui em forma de uma comédia inteligentíssima, até que, chegando ao final do espetáculo, depois de muitos risos, o clima se torna tenso em virtude da veemente discussão sobre a iminência de uma revolução popular. Este tema, que até então foi tratado superficialmente entre os diálogos nos intervalos do ensaio, toma vulto e explode diante da omissão e alienação de Olga e Alexander. Neste ponto, somos surpreendidos com o monólogo de Masha. Aquela que, até o momento, era subestimada pelos companheiros de palco surpreende tanto a eles quanto ao público pela lucidez de seus pensamentos e por sua compreensão do contexto único que viviam.

As críticas mordazes que Masha lança sobre seus companheiros não afetam apenas a eles, mas a toda uma classe artística que, de tão absorta em seu universo teatral, de aplausos e egos inflados, desconhece ou prefere não se envolver em questões que exigem ações práticas, tomadas de posições e riscos àquilo que mais veneram: a sua imagem. Em resumo, a peça, nos seus últimos minutos, dá uma guinada de 180º, enfocando no poder transformador que alguns membros da classe artística acreditam possuir pelo simples fato de subirem ao palco, esquecendo que a vida de verdade nas ruas, das pessoas de carne e osso obedece a uma lógica muito mais cruel do que os jogos de cena. E é justamente esse questionamento que a peça traz que provocou, e ainda vai provocar, muita polêmica e divisão de opiniões por parte do público. Aqueles que acreditam que a arte, sozinha, vai ser responsável por uma grande transformação social, se sentem ofendidos. Já a outra parcela de espectadores, da qual fazemos parte, fica muito surpresa por esta crítica vir de cima do palco, e é isso que torna a peça fantástica e, acima de tudo, lúcida.

Por: Aline Cadaviz e Angelo Borba

Foto: Divulgação