A Tribo Brasil, o grupo Carne de Panela e a banda Roda Viva já vinham apresentando neste mesmo Theatro São Pedro o espetáculo “O Maestro, o Malandro e o Poeta”, sempre com bastante interesse do público. Mas o que se viu nesta última apresentação do dia 25 foi uma procura muito grande por ingressos, e o teatro teve ocupado todo o seu espaço. Apesar de contar com uma boa divulgação pela cidade, o que garantiu todo esse interesse foi mesmo o boca-a-boca das pessoas que já haviam assistido a apresentação. Prova do sucesso do projeto.

O show conta com a presença de 12 músicos muito talentosos das três bandas citadas, que garantem um corpo musical muito consistente. O talento do conjunto não é apenas técnico, mas de um bom gosto muito surpreendente. Conscientes de suas diferenças vocais, os dois cantores Gabriel Maciel e Zé Leandro não ficam tentando imitar as vozes ou trejeitos de nenhum dos homenageados, o que garante uma bela autenticidade ao espetáculo. Os outros músicos desempenham seus papéis de forma igualmente exemplar. Diferente de Vinícius e Chico, que tem no seu ponto forte a poesia, Tom Jobim sempre chamou muito mais atenção pelo aspecto de execução técnica e criação harmônica do que lírica, e nisso o pianista Fernando Leitzke também não deixou a desejar. Os temas de tônica ao piano foram executados de forma precisa.

A dinâmica do show alternava músicas dos três compositores, tanto em parcerias dos três, como em dupla ou solo. Ou seja, a gama de músicas a disposição era enorme, e eles souberam escolher um repertório que privilegiasse os três de forma igual, cobrindo várias épocas de suas composições. Sem dúvida os “pout pourris” contendo várias canções de cada artista foram responsáveis por grandes momentos, mostrando bom gosto na escolha das músicas que comporiam um pequeno apanhado de cada artista.  Comprovando que o espetáculo foi muito bem pensado em seus detalhes e não simplesmente a junção do que cada grupo já fazia antes de montarem esta apresentação. O entrosamento entre os músicos é notável e a apresentação corre firme e concisa.

No ano de 2002 ,o já reconhecidíssimo compositor e humorista Nico Nicolaiewsky, lançou no mercado o seu segundo disco autoral (o primeiro tinha sido um disco auto intitulado, lançado em 1996). Este segundo trabalho consistia em uma ópera cômica chamada “As sete caras da verdade”. De lá para cá, pouquíssimas foram as ocasiões em que fora apresentado. Por contar com uma grande equipe técnica e um numeroso elenco, os custos para possibilitar tais apresentações são bem altos, inviabilizando um projeto tão grandioso se comparado às montagens que estamos habituados a presenciar por estas bandas. Sorte a nossa que festivais como o Porto Alegre em cena nos propiciam tais momentos.

É de se notar o tamanho da produção necessária para a apresentação desta mini-ópera. Uma orquestra composta por 18 músicos e um coral que, pelas minhas contas, chega a ter 34 participantes, garante o clima necessário para tornar a apresentação mais verossímil e impactante. Vale lembrar que o coral não só canta, mas também atua, se movimenta e dialoga com os personagens, sendo, na verdade, praticamente mais um personagem da história. Possuindo importância diferenciada no espetáculo e sendo responsável por algumas das melhores cenas da apresentação.

A história é basicamente a seguinte: Um narrador anuncia a chegada de Rodolfo, o matador, a casa de Alencar. Ao que o morador da casa abre a porta, Rodolfo força sua entrada e sem muitos rodeios anuncia a eminente morte de Alencar. Mesmo tentando argumentar e entender o que se passava, Alencar é avisado de que seu fim está próximo, e depois de alguns disparos errados, Rodolfo cumpriria com sua promessa. Porém, o agora quase morto Alencar sussurra algo no ouvido de seu algoz que o deixa transtornado. Este é o mistério da peça, mas ele não demora mais de 20 minutos para ser desvendado. O problema é que cria outro mistério um pouco maior, e depois outros, que acabam por sustentarem a trama até o seu final. Fica difícil fazer uma análise mais aprofundada sem entregar alguns dos mistérios da peça

Fica difícil fazer uma análise mais aprofundada sem entregar alguns dos mistérios da peça, e que se revelados acabam por tirar um pouco da sua graça. Por se tratar de uma ópera cômica e de suspense, e tendo sido criada por um dos maiores humoristas do Rio Grande Sul, “As sete caras da verdade” abusa dos clichês do gênero, tanto da ópera, com suas intermináveis repetições de frases, como do suspense e suas reviravoltas mirabolantes que parecem não levar a lugar nenhum, e às vezes realmente não levam. Porém, sempre com muito bom gosto, nunca caindo no entretenimento “pastelão” ou subestimando o senso de humor do público.

Alem de um ótimo espetáculo, “As sete caras da verdade” somente é apresentado em poucas ocasiões, o que acaba tornando o espetáculo raro e por isso mais especial. Nico mostra aqui, mais uma vez, o imenso potencial artístico que lhe cabe. Pois além de atuar e cantar, foi ele quem criou, com a parceria de Fernando Jankzura, e dirigiu a peça. Para quem gosta de teatro, não precisa ser de ópera necessariamente, boa música e do trabalho de Nico com o Tangos e Tragédias, fica a dica: quando tiver oportunidade de vê-lo nesta apresentação, vá!

Por: Angelo Borba

Fotos: Divulgação

Uma das maiores promessas deste 17° Porto Alegre em cena foi a montagem de “Happy Days”, texto de um dos mais revolucionários teatrólogos do século XX, Samuel Becket. Dirigido por Bob Wilson, um dos maiores diretores do teatro mundial, e contando no elenco com nada menos que Adriana Asti (musa de vários diretores do cinema europeu, como Bertoluci e Bunüel), era promessa de um grande espetáculo.

A peça conta com um cenário quase minimalista, a não ser pelos efeitos visuais de luzes, que têm uma grande importância no decorrer da peça, nos informando o quanto de tempo se passou durante o monólogo da personagem Winnie. Esta por sua vez se encontra em uma situação insólita: enterrada até a cintura, no alto de um cume de areia. Ali ela acorda, durante vários dias, e discorre sobre a sua vida, desde os aspectos mais banais, como escovar os dentes e pentear os cabelos, até os seus desejos e frustrações mais profundas, sempre dirigidas ao seu interlocutor, Willie.

Por ser praticamente um monólogo e ter quase duas horas de duração, a peça, em alguns momentos, se torna cansativa, ainda mais para quem não está muito familiarizado ao tipo de texto que Becket escrevia, e as leituras que Wilson dá para suas montagens, sempre abusando de luzes e sons.

O texto é uma ironia dramática, a começar pelo título “Happy Days” (dias felizes), que de felizes não tem nada. Trata de desconstruir uma ilusão de alegria, e sua respectiva necessidade imperativa. Winnie lembra seu passado e o confronta com sua situação atual, tentando achar uma possível felicidade escondida nas coisas mais simplórias, como um simples som, qualquer que seja, emitido por seu marido Willie e que a faça se sentir menos sozinha, pois este é o seu maior medo: a solidão.

A profundidade da reflexão acaba sendo diluída na montagem de Wilson. A tradução também peca na qualidade, principalmente nos trechos onde as frases são mais rápidas. O diretor parece explorar demais o seu objeto cênico e esquece de se preocupar com o texto. Falta certa homogeneidade ao decorrer da peça, algo que prenda o espectador do início ao fim, não só em pontos chaves, aqueles em que o diretor parece dizer: “preste atenção agora!”.

No geral, vale à pena, mas um gostinho de “ficou a desejar” é praticamente certo.

Por: Angelo Borba.

Unfortunate Days, Dias Desventurados

Me sentia aquela velhinha semi-surda da última fileira, esticando o pescoço e aguçando os ouvidos a fim de absorver o máximo de "Happy Days", a peça de Robert Wilson que veio para o 17° Porto Alegre Em Cena. A comparação com uma velhinha da última fileira podia muito bem ir perdendo a força ao passo que os minutos corriam, mas não foi bem assim. A atriz italiana Adriana Asti (Winnie), um ponto pálido – engessado – com a boca carmim e a roupa veludosa azul, surgia aos meus olhos como uma figura distante e ofuscada.

Com a premissa básica de que a personagem do irlandês Samuel Beckett, Winnie, encontra-se soterrada até a cintura, podendo gesticular apenas a parte superior; minha gana era a de visualizar claramente a expressão facial da atriz. De que outra forma captaria sua emoção? Solucionei minha pergunta concentrando-me na verborragia – de teor paradoxalmente humanista e confessional – de Winnie e suas devidas entonações. E, é claro, à famosa iluminação de Bob Wilson, que, discordando de Luiz Paulo Vasconcellos, achei-a sutil e adequada (dispensarei o adjetivo precisa, porque a precisão é um dos pilares do diretor, como bem pude conferir ano passado, em "Quartett"). E não ácida, agressiva, desesperadora, espécie de tábua de salvação; não, aqui a luz é muito menos densa ou fria do que em "Quartet". São tons de azul, amarelo e verde que preenchem todo o alvíssimo fundo. Mesmo que a luz fosse ácida, portanto corrosiva, não há nada que a terra, esse velho extintor, não apague; como bem disse Winnie ao ver seu guarda-chuva negro pegando fogo. O ocorrido provocou tal estrondo a ponto de estremecer a plateia, antes tranquila. O mesmo acontece no início dos dois atos (a peça possui intervalo): uma cortina transparente – branca – balança ao som da brisa que vai aos poucos se fortalecendo, até o som atingir seu ápice, tornar-se grave e ensurdecedor. É aí que, cortina, brisa, luz e som… Caem. FOTO: o vulcão em erupção, o iceberg, o Everest, o vazio. Se Winnie é erupção, suas palavras são lavas que escorrem. Definitivamente Wilson sabe jogar com atmosferas de oposição, nos causando aquela sensação dupla de surpresa e (des)conforto.

Happy Days é sarcasmo, a protagonista não tem dias felizes, senão a esperança de um dia feliz. "- Hoje será um dia feliz!", informa otimista ao seu marido Willie (Giovanni Battista Storti). Ela exige ser ouvida, admitindo sua tendência centralizadora, portanto egocêntrica, perante a situação em que ela e o homem se encontram: debaixo da terra. Entretanto, a fala do outro (de Willie) é baseada em grunhidos, arrotos e peidos. Então é coerente dizer que existe comunicação através da palavra? Francesa é a língua falada na peça, apesar do diretor ser norte-americano e o elenco italiano. Provavelmente Beckett via no francês uma língua nova, fresca, cheia de possibilidades, sem imposições culturais de peso, consequentemente com maior gama de nuances se posta em comparação com o inglês. Ao largar sua língua materna, Samuel Beckett renuncia (em parte) aos códigos que organizam / ordenam a sociedade, porque a língua nada mais é do que uma estrutura de códigos firmados social e historicamente de forma arbitrária. Uma montanha podia muito bem ser chamada de berinjela, não?

Winnie ocupa sua boca com palavras a qualquer momento para não ter que enfrentar o vazio, esse eterno perseguidor. Seu jorro verbal é antagônico ao silêncio. O verbo representa o domínio humano sobre o mundo, é uma apropriação ou mesmo domesticação do vivo e morto, tornando "conhecido" o desconhecido. Beckett estava ciente dessa visão unidimensional, portanto não aceitou-a em sua obra, questionando até mesmo os códigos artísticos de representação da vida.

O elemento absurdo está presente até o fechar das cortinas, o cotidiano do casal jamais é alterado pela condição de estarem enterrados, cada um faz o seu papel: Willie lê jornal e admira fotos de mulheres quase peladas, Winnie escova os dentes, faz as unhas, passa maquiagem, ameaça sua cabeça com um revólver e fala. A respeito da cena inicial, na hora vi uma palhaça escovando os dentes! Era a escova vítima cintilante e o creme dental carrasco, amei! Adriana Asti joga maravilhosamente bem com a voz (e que bom!). Saí do Theatro São Pedro pensando: ao longo de seus dias, Winnie destina o próprio destino. Controla. Tenta bloquear a melancolia, mas esta faz parte da vida. Bloquear a melancolia gera mais mal-estar, talvez melhor aceitá-la.

No segundo ato, Winnie está soterrada até o pescoço. Agora o revólver é inútil e a morte, útil. Peça em francês no território brasileiro exige tradução. Eis que esta é também precisa, ainda mais para as girafas ou para as cuícas. Ah, o meu pescoço é de alguns centímetros, por isso tinha horas em que ficava apenas lendo as legendas e ouvindo Winnie. Não me intimido ao partilhar a vocês que nesses momentos preferia estar lendo a obra impressa, seja na grama, no trem ou minha cama. Lanço dois questionamentos e uma conclusão: em que medida as luzes e as cores traduzem o estado interior da personagem? Até que ponto auxiliam na ambientação das narrativas, dos flashbacks? A estética de Happy Days, ilustre e contemporânea, acomete, enrijece o texto dramático.

E agora, Willie?

E agora, Willie?

E agora, Willie?

Por: Guilherme Nervo

O violonista gaúcho e bandolinista brasiliense, dois dos maiores nomes da música instrumental brasileria, vêm lançar o cd LUZ DA AURORA .

Data: 10/04/2010
Local: Theatro São Pedro
Hora de Início: 21h (sábado)

Ingressos:

Platéia, Cadeiras Extras = R$ 50,00

Camarote Central 1º e 2º pisos = R$ 35,00

Camarote foyer e laterais 1º e 2º pisos = R$ 25,00

Galeria Central e laterais = R$ 15,00

Dois grandes nomes da música brasileira voltam ao palco do Theatro São Pedro para mostrar um repertório de músicas consagradas e novidades do seu novo CD e DVD Autorretrato. Neste espetáculo, K&K contam histórias deliciosas e transformam cada música em uma viagem audiovisual com universo próprio.

Ingressos

Plateia: R$ 70,00

Camarote Central: R$ 60,00

Camarote Lateral: R$ 50,00

Galeria Central: R$ 25,00

Galeria Lateral: R$ 25,00

Cadeira Extra: R$ 60,00

Descontos: 50% para sócios AATSP na estreia; 50% nos 100 primeiros ingressos para o titular do clube do assinante ZH, nos demais 20% para titular e acompanhante; 50% para estudantes mediante comprovação.

O segundo fim de semana de dezembro foi marcado por uma homenagem especial, preparada por uma grande banda gaúcha: o Nenhum de Nós apresentou, em quatro seções, seu show em homenagem a maior banda de todo os tempos: The Beatles. O Poa Show esteve presente no terceiro show, domingo às 18h.

Quase pontualmente, o Nenhum de Nós sobe ao palco com “A Hard Day’s Night” e “Can’t Buy Me Love”, que respeitaram os arranjos originais. Destaque também para os timbres, excelentes, especialmente de baixo e guitarra.

Em um breve discurso, o vocalista Tedhy Corrêa conta que a banda sempre teve como referência os Beatles, e que, por diversas vezes, levantou a idéia de fazer um show em homenagem aos ingleses. Contou ainda que o comentário mais freqüente era “seria um sonho”. Concluiu dizendo que o sonho estava se realizando ali, naquele final de semana.

Veco Marques deixou a guitarra por alguns momentos para tocar, em um Ukulele, a introdução de “Something”. Após calorosos aplausos, a banda executou a canção completa. Após uma versão belíssima de “While My Guitar Gently Weeps” Thedy chamou todos a “inspirarem” juntos no refrão de “Girl”. Para “Eleanor Rigby”, todos deixam o palco, exceto Theddy, que cantou sozinho ao som da orquestração original.

“O sonho de toda banda que gosta dos Beatles é cantar com os Beatles. Mas isso, infelizmente, é impossível. Com todos, pelo menos, é impossível. A gente até ligou para o Ringo, mas… ele disse que estava ocupado. A gente perguntou com o que. Ele não soube responder. (risos) Mas, enfim, a gente conseguiu, com a ajuda da tecnologia, uma forma de cantar com os Beatles.” E foi com inserções alternadas entre os vocais originais com a voz de Tedhy Corrêa que o Nenhum de Nós tocou “With a Little Help From My Friends”, do clássico disco “Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band”.

Novamente a banda se retira, desta vez deixando apenas Veco Marques no violão e João Vicente no Acordeon. A ótima versão instrumental para “All My Loving” arrancou os aplausos mais fervorosos da noite e foi um dos pontos altos da apresentação. Emocionante.

Outros destaques foram as versões para “Lucy in The Sky With Diamonds” e “All You Need Is Love”, que encerraram a primeira parte do set.

Para o bis, mais surpresas. Teddhy Correa volta sozinho para o palco. De posse de um violão, executa sozinho o clássico “Yesterday”. Em seguida, introduz: “Os Beatles foram geniais, em apenas 10 anos. Mas cometeram também alguns excessos. Um deles, por exemplo, foi deixar o Ringo cantar. Porque baterista é uma coisa que… até tem o seu valor. Mas pra ficar ali…” neste momento, Sady Homrich adentra o palco com barba e gorro de Papai Noel para cantar “Yellow Submarine”, com Teddhy na bateria. Para encerrar, “Here Comes The Sun” e “Hey Jude”, com todos os presentes entoando o clássico refrão.

Após pouco mais de uma hora e meia de show, a banda se despede, tendo deixado em seus espectadores a certeza de que a apresentação foi pensada, preparada e executada com muita competência e dedicação.

Por: Marcel Bittencourt

Fotos: Fabiana Menine

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Data: 11,12,13/12
Local: Theatro São Pedro
Hora de Início: Dia 11/12 e 12/12 as 21h, dia 13/12 as 18h e as 21h

Ingressos:

Platéia R$ 50,

Camarote Central R$ 40,

Camarote Lateral R$ 30,

Galeria Central R$ 20,

Galeria Lateral R$ 20,

Cadeira Extra R$ 40.

Bilheteria: Nos dias úteis das 13h às 18:30 (quando não há espetáculos noturnos) e das 13h até às 21h em dias de espetáculos à noite.  Aos Sábados, das 15h às 21h e nos Domingos das 15h às 18h.

Informações: 3227 – 5100   (www.teatrosaopedro.com.br)

A história pode não ser novidade para alguns, tanto aqueles que leram a obra como quem assistiu à montagem na edição anterior do Em Cena. O fato é que, como muitos daquela imensa platéia, não tive a oportunidade de assisti-la ano passado, já que seus ingressos se esgotaram nos primeiros minutos de venda. Assim, mesmo que esse texto pareça piada repetida, permitam-me expressar minhas humildes impressões de um espetáculo tão aguardado.

Cenário simplista parece ser característico das montagens dirigidas por Chéreau. Assim como em La Douleur, no palco estão apenas uma ampla mesa e cadeiras, o resto fica por conta dos atores. Patrice entra sem cena sem figurino ou qualquer adorno em especial, apenas com o roteiro do espetáculo nas mãos, rasurado com diversos apontamentos. Sim, ele lê as falas. Não o tempo todo, mas com certa freqüência. Alguns comentários que escutei na saída do teatro falavam em despreparo (?!). Ora, convenhamos, despreparo não parece ser o melhor argumento para explicar a presença do roteiro em cena. Lembremos que a peça é uma leitura, o que justifica o texto em mãos. O que se deveria avaliar é a carga dramática que o ator/diretor emprega na leitura, e não se ele decorou todas as palavrinhas.

Leituras sobre a leitura à parte, vamos à peça: o texto começa falando sobre maldade e sofrimento. Crianças barbaramente maltratadas, despedaçadas por cães, cavalos açoitados incessantemente. O sofrimento é inerente à vida, mas quando atinge inocentes, é incompreensível.

Partindo dessa ideia, desenrola-se a Lenda do Grande Inquisidor. Na Sevilha do século XVI, centenas de hereges queimavam em fogueiras pelas praças da cidade, vítimas da Inquisição. Eis que, por entre sofrimentos solitários e a vida que prossegue normalmente, surge a figura de Cristo, logo reconhecida entre os populares. A multidão que se forma para vê-lo de perto e presenciar seus milagres chama a atenção do inquisidor local, um cardeal nonagenário que imediatamente ordena a prisão de Cristo.

No cárcere, o inquisidor logo profere: Jesus será executado na manhã seguinte. Diante do silêncio angustiante do prisioneiro, seu juiz faz revelações que, mesmo os mais rasos entendedores, sentir-se-iam atingidos em algumas de suas mais concretas convicções.

A figura do cardeal, enquanto representante da Igreja, expõe princípios da moral cristã de maneira clara e direta, evidenciando sua função controladora e ordenadora. Didaticamente, o texto explica como dogmas religiosos são forjados com o intuito de manter seus cordeiros obedientes e juntos ao rebanho.

Sendo o ser humano rebelde por natureza, seria necessário cercear sua liberdade, sendo esta perigosa para a manutenção da ordem. Daí é  feita a distinção entre o pão terreno (fé, mistério, obediência, servilismo, medo) e o pão celeste (liberdade, livre-arbítrio, amor). E deste pão terreno se alimentavam os homens na Espanha inquisitorial.

Diante da fragilidade e insignificância humana, o governo deveria ser exercido pelos fortes, por aqueles que se diferenciam da regra, àqueles que abandonaram Cristo para servir a ele (diabo). Seu governo se fundamentava em explorar as fraquezas mais manifestas dos homens: sua necessidade de crer veementemente em algo que explique, mesmo que metafisicamente, aquilo que ignora; sua ânsia de encontrar algo em que todos acreditam, de se sentir pertencente; sua acomodação; seu receio em tomar em suas mãos o destino de sua vida; seu medo de sofrer.

A resposta da Igreja a todas essas inquietações se resume ao milagre, ao mistério e ao domínio. Assim, guiando suas vidas e tomando decisões em nome de deus e dos homens, esta instituição garantiria a felicidade da humanidade. Uma felicidade cega, submissa como uma criança, livre das angústias mais prementes, perfeita.

Através da Lenda do Grande Inquisidor, Dostoievski explora a temática existencialista, criticando enfaticamente não apenas as religiões, mas a própria religiosidade, responsável por aprisionar a alma criativa e crítica dos indivíduos. Preceitos religiosos e morais são postos em xeque numa situação inusitada: durante o interrogatório do réu, quem confessa é o juiz. E suas confissões são nítidas, sem meias palavras, como um desabafo orgulhoso e triunfante.

Apesar de escrito há 130 anos, o texto impressiona por sua contemporaneidade, visto que nem toda racionalidade e conhecimento frearam o poder devastador do fanatismo religioso (dos homens-bomba à proibição do uso da camisinha) e a descrença na autonomia humana. Talvez parte do público tenha saído do teatro apenas satisfeito por ter assistido a uma peça internacional, criticando o “despreparo” de Chéreau, sem ser atingido por sua mensagem. Acontece. Mas entre o pão terrestre e o pão celeste, fico com o segundo.

Por: Aline Kassick Cadaviz

Foto: Divulgação

Quando finalmente entramos, deparamo-nos com a atriz Dominique Blanc já no palco, de costas para o público e imóvel, integrada harmonicamente a um cenário minimalista, composto de uma fileira de cadeiras, de um lado do palco, e uma mesa com cadeiras e uns poucos objetos, do outro. O “vazio” daquele palco, também sem as tradicionais cortinas pretas que cobrem seu fundo (em função da projeção das legendas), precisava ser preenchido de alguma forma, e foi.

O belo texto de Marquerite Duras, escrito na forma de diário, relata os dias de angústia e dor (douleur) vividos por ela nos últimos meses da Segunda Guerra Mundial, enquanto espera por alguma notícia sobre seu marido, Robert L., preso em um campo de concentração nazista.

O comovente relato perpassa todos os seus pensamentos, suas fantasias, num exercício constante de imaginar o que possa ter acontecido a seu marido: ele poderia bater à porta a qualquer momento; poderia estar morto em uma vala (como milhares, e ainda assim sozinho); qual teria sido seu último pensamento… O que fica evidente é a aflição da espera, ela é a razão maior de seu sofrimento. Prefere a dor da certeza, pois esta apaziguaria a tortura do desconhecimento.

Na França libertada do jugo nazista, a vida vai voltando ao normal, as pessoas voltam a andar calmamente pelas ruas e o presidente, Charles De Gaulle, sente-se a vontade de proferir a frase que Duras classifica como criminosa: “Os dias de choro passaram, os dias de glória voltaram”. Não para milhares de pessoas.

Peregrinava à estação Orsay, onde regressavam os deportados, em busca de seus nomes. Divulgava-os através de um jornal aos familiares que, como ela, penavam a procura de notícias. Mas o nome que tanto esperava insistia em não aparecer.

Quando predominavam em seu imaginário as cenas e circunstâncias da morte de Robert L., eis que finalmente o telefone, que tantas vezes, sentada no divã, esperou tocar, toca. Recebe a notícia tão aguardada e já desacreditava, seu marido estava vivo, mas muito enfraquecido e doente.

Segue então o relato da espera pelo retorno do marido e a aflição pelas notícias nada animadoras sobre seu estado de saúde. O reencontro é marcado pelo choque de deparar-se com um homem transformado, tanto física como psicologicamente, só reconhecendo-o pelo sorriso em seus olhos.

Durante 17 dias, Robert L. lutou contra a morte. Ao final, a febre cede, a disenteria começa a dar sinais de recuo, seu organismo se recupera lentamente. E assim, termina o texto, não com um “felizes para sempre”, mas com o fim de dias de angustiante espera e a recuperação de uma vida já desenganada, que mesmo em deplorável estado, era o que Duras tinha de mais belo e mais amado.

Um maravilhoso espetáculo, brilhantemente protagonizado por Dominique Blanc e dirigido por Thierry Thieu Niang e Patrice Chéreau (que, aliás, estava no camarote ao lado do meu, pena o meu francês ser muito amador) que nos mostra como a tão propalada civilização européia, berço da racionalidade e da “raça superior” foi capaz de protagonizar cenas de pura perversidade e insensibilidade, demonstrada também pelos aliados.

Por: Aline Cadaviz

Foto: Divulgação

Por: Angelo Borba

Fotos: Camila Zuchetto

Noite de quarta-feira e um dos espetáculos mais tradicionais do teatro gaúcho estréia mais uma vez na capital. Sim, estréia mais uma vez, pois nada mais tradicional no mês de janeiro do que a temporada de Tangos e Tragédias no Theatro São Pedro.

A abertura ficou a cargo de Norminha Duval, violonista que levou o prêmio Açorianos de melhor instrumentista em 2008. O detalhe pertinente é que Amelinha tem 70 anos e toca com técnica apurada e disposição juvenil. Apenas 15 minutos, mas bastaram para que a jovem senhora ganhasse fãs.

Menos de um minuto depois as luzes se apagam e entram em cena as estrelas da noite: Kraunus Sang (Hique Gomes – violino) e Maestro Pletzkaya (Nico Nicolaiewski – acordeon e piano) adentram o palco a abrem com “Desgrazzia ma non troppo”

“Eu gostaria de dedicar esse “xô”, como a gente sempre faz, a todos os artistas. Mas esse, especialmente, esse “xô” da estréia, aos portoalegrenses”, disse um sorridente Pletzkaya.

A partir dali, o repertório do show, que não muda nunca e é um sucesso há 26 anos, era o que menos importava. “O Drama de Angélica”, “O trágico amor de Marcelo por Roberta”, “Romance de uma Caveira” e “Ana Cristina” levantaram o teatro e ganharam o coro dos presentes.

Os dois clássicos folclóricos da Sbornia não poderiam faltar: “Aquarela da Sbornia” e “Copérnico”. Neste momento, este redator foi gentilmente convidado a dançar no palco do Theatro São Pedro. Relutante no primeiro momento, fui convencido por Kraunus.

Também houve espaço para releituras. Historicamente a dupla apresenta alguma peça do cenário pop na roupagem do Tangos. “Roxanne”, do Police, “Meu Erro”, dos Paralamas do Sucesso e “Minha Alma”, do Rappa, foram algumas obras escolhidas anteriormente. Na noite da estréia, a escolhida foi “Epitáfio”, dos Titãs. Encerraram com “Eleven’s Train”, versão tragicômica de “Trem das Onze”, de Adoniran Barbosa, não sem antes, claro, sair até o hall de entrada do teatro, onde prontamente atenderam todos os fãs presentes.

Tangos e Tragédias é sucesso há 26 anos e será até que Hique e Nico decidam pendurar a gaita e o violino. Apesar de defenderem que seu sucesso deve-se a falta de memória do nosso povo, acho que é justo e necessário registrar que o principal motivo para tal ainda é a competência, a alegria e a paixão com que esses artistas nos brindam.

Se você não foi, vá. Se foi, vá de novo.

A gente recomenda.

Agredecimentos a Marilourdes e toda a equipe do Escritório de Produção.

Por: Marcel Bittencourt

Fotos: Fabiana Menine

Theatro São Pedro | 07 de janeiro de 2009|

Dia de Domingo, levantar às 7h para ver um show do Bebeto Alves que estava marcado para às 11h em Porto Alegre, tem preço: 1 kg de alimento não perecível. Claro que este é um valor simbólico, ainda mais se considerarmos que estamos falando de um dos artistas mais talentosos da musica gaúcha, que tem seu lugar garantido na história da musica brasileira, mas que não é proporcionalmente revertido em destaque na cena atual. Como tantos outros artistas de sua época. Mas “a gente vai levando” e Bebeto também, e muito bem, diga-se de passagem.

O show foi uma pequena mostra de faixas do novo CD, Devoragem e marcava o fim da edição 2008 dos concertos populares promovidos pelo Theatro São Pedro e sua Orquestra de Câmara, que reúne artistas de diferentes vertentes da nossa musica, ganhando versões orquestradas de suas obras, uma bela iniciativa, por sinal.

Soa a campainha, músicos à postos, da-se inicio a apresentação com uma composição de Edu Martins: sem parar (sinfonia em dó menor), que serviu de introdução para o espetáculo. Vale a pena ressaltar que Edu é um artista Paulista em “retiro” por Porto Alegre, para a composição de dois álbuns, um de musica instrumental e outro de canções, a ser lançado em breve. Terminado o ato, entra em cena Bebeto, que inicia seu set com a musica Canos, acompanhado pela orquestra. Logo após emenda Milonga de paus do disco homônimo, e que já tinha ganhado uma versão para cordas da Orquestra Unisinos, no trabalho Paralelo Trinta: Ontem e Hoje, assim como a terceira musica do espetáculo, Que se passa. Nesta ele traz ao palco o parceiro e arranjador Vagner Cunha, para acompanha-lo ao violino.

O espetáculo segue com uma porção de musicas de todos os períodos da carreira de Bebeto como, Ruas, parceria com Totonho Villeroy e Mais uma canção, feita por ele e Fernando Corona e gravada no disco que reuniu Bebeto Alves, Totonho, Nelson Coelho de Castro e Gelson Oliveira. Já que a apresentação era mais uma “celebração das amizades”, nas palavras de Bebeto, nada mais normal do que chamar ao palco a banda que o acompanhou no disco Blackbagualnogovéio, para a execução de Por lá frontera, e que depois permaneceriam no palco até o fim da celebração.

Um dos momentos mais bonitos do show foi quando subiu ao palco Nelson Coelho de Castro para dividir voz e violão em uma canção de sua escolha, do primeiro disco de Bebeto Alves, chamada Raiar, e que foi muito ovacionada pelo publico presente. Do disco novo ainda tivemos a presença de Globalizacíon, tchau! e O demolidor. Todas mostrando em grande estilo o vigor criativo de Bebeto, que não adormeceu com o tempo, pelo contrário, foi se reinventando sem perder um décimo de sua habitual qualidade. E para terminar, não poderiam ficar de fora dois de seus maiores sucessos, Depois da chuva e Pegadas, em versões com muita energia.

Muito importante ressaltar que esta apresentação estava sendo gravada para um futuro DVD, por causa disso 4 músicas do roteiro que tinham apresentado problemas técnicos em suas execuções foram tocadas novamente, e o que muita gente pode não saber, mas trata-se de um artifício muito recorrente na gravação de materiais ao vivo. Foi bonito ver a grande maioria do público permanecendo em seus lugares, mesmo com o avançado da hora, e de estômago vazio.

Agora é esperar para ver o resultado deste registro, mais do que merecido por este grande artista e esperado por seus admiradores.

Por: Ângelo Borba

Teatro São Pedro |14 de dezembro de 2008|